La comparación de estas dos adaptaciones cinematográficas ponen de manifiesto el carácter universal de las pasiones humanas que bien se encarnan en los personajes de Shakespeare. Las pautas del desarrollo de ambas películas son, en los huesos, las mismas, no obstante ya desde el comienzo se marcan los caminos divergentes que toman cada una de las obras.

Kurosawa pone en paralelo el Japón medieval con la Escocia retratada años antes por Welles. La historia de Washizu Taketori, el equivalente japonés de Macbeth, se desarrolla con la fuerza visual de lo éxotico. Contiene la riqueza de dos tradiciones culturales; riqueza intrínseca a las historias trasladadas a otros contextos. “Trono de sangre” (Throne of Blood, 1957) de Akira Kurosawa comienza con una panorámica inundada de niebla, símbolo de la ambigüedad, la falta de claridad o la apariencia que será el leitmotiv de toda la historia. A esta niebla subyace la frase de las brujas que inauguran la obra original; “Hover though the fog and filthy air”. La narración comienza lentamente, con el personaje principal y Miki (Baquo) cabalgando en el paisaje. Se encuentran con la única bruja que el director nos ha dejado y, tal como en el drama Noh y siguiendo los pasos de Shakespeare, el drama se desata o se produce en base a una narración anticipada en forma de oráculo (que autoriza la esperanza de los personajes). En la adaptación “Macbeth” (1948) de Orson Welles, las tres brujas aparecen en seguida, tal como en la obra de teatro de Shakespeare. La fuerza de esta versión reside en las palabras, sustraídas de la obra original de Shakespeare y que, eso sí, el director acomoda dentro de las secuencias como más convenga a la película. La densidad de los diálogos salta a la vista. En la versión japonesa, apenas se encuentran frases trasladadas e incluso, a veces, las líneas se limitan a narrar como en una obra de teatro lo que nosotros ya podemos ver en pantalla.

La dimensión psicológica es tratada de maneras diversas. El pensamiento, la interioridad del personaje, que en las representaciones teatrales son un soliloquio “aparte”, nos los encontramos en la versión de Welles, como monólogos internos en voz en off y un plano centrado en la expresión reflexiva del personaje. Kurosawa se ahorra muchas de estas voces de la conciencia -con su correspondiente material poético- y otorga la responsabilidad de representación trágica a la capacidad expresiva de los actores.

En la visión nipona hay menos personajes; en esta no existe un equivalente a Macduff, por lo que la película no se cierra con un duelo. En este sentido, la versión se separa de lo que hasta entonces se había visualizado sobre la muerte de Macbeth, a manos de un hombre que no viniera de mujer, lo cual era parte de la profecía. La lograda escena de la muerte de Washizu sorprende por su violencia e introduce una variante que destruye al personaje de una forma más absoluta y personal. Son en esta escena, sus propios arqueros quien le dan la muerte, gesto que acentúa de manera inextricable su naturaleza de traidor, incluso de tirano, lo que ha llegado a convertirse. A comparación del Macbeth de Welles, Washizu es un protagonista que sufre un cambio mucho más acentuado durante el transcurso de la película, ya que al comenzar a tramar el asesinato del rey, opone más resistencia a las sugestiones de una Lady Macbeth que parece más malvada. Finalmente, se le condena a un fin más reprobable a Washizu que a Macbeth.

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